Impulse für inklusive Bühnenpraxis

Damit der Wandel hin zu inklusivem Arbeiten dynamisch werden und langfristig zu einer nachhaltig inklusiveren Praxis führen kann, sollte die Leitungsebene eines Hauses ihn engagiert vertreten. Dabei ist es förderlich, wenn Abteilungsleitungen als Multiplikatoren von Wissen und Haltung von Anfang an in die Prozesse einbezogen werden. Auch alle übrigen Mitarbeitenden sollten informiert und involviert werden, etwa durch Gesprächsrunden und Weiterbildungen, um Unsicherheiten abzubauen und praktische Fragen zu klären. Freundeskreise und die Kulturverwaltung sollten regelmäßig informiert und idealerweise als Verbündete gewonnen werden.
 

Oft lassen sich bestehende Materialien, Räume oder Abläufe mit geringen Anpassungen inklusiver gestalten, zum Beispiel durch die klare Vereinbarung und Einrichtung von Rückzugs- und Pausenmöglichkeiten. Dies erfordert Sensibilität und Aufmerksamkeit im Arbeitsalltag, etwa indem Routinen regelmäßig hinterfragt werden: Wo schließen sie unbeabsichtigt Menschen aus? Welche kleinen Veränderungen könnten große Unterschiede machen?

Damit der Wandel gelingen kann, müssen von Anfang an behinderte Perspektiven strukturell mitgedacht, eingebunden und gestärkt werden – sei es in der Konzeption, in Planungs- und Vorbereitungsprozessen oder in der künstlerischen Umsetzung. Nur so entstehen praxisnahe, realistische und akzeptierte Lösungen. Voraussetzung ist eine wertschätzende Grundhaltung, die die Verschiedenheit aller Beteiligten anerkennt und als Bereicherung versteht. Oft führt Mitsprache auch dazu, dass die Beteiligten motivierter sind und eigenverantwortlicher handeln. Das wiederum entlastet Ressourcen an anderer Stelle.

Wiederkehrende Erfahrungen und Arbeitsschritte sollten systematisch aufbereitet und als Wissen weitergegeben werden, etwa in Form von Checklisten, Workshops oder kollegialen Gesprächsformaten. Als essentiell haben sich für inklusives Arbeiten sensibilisierte Regieassistenzen erwiesen, die sowohl für die Herausforderungen des laufenden Betriebs wie für die besonderen Bedürfnisse einzelner beteiligter Personen ein feines Sensorium mitbringen.

Künstlerische Projektkoordinatoren sollten vor dem Hintergrund ihrer Expertise in inklusiver Kunstpraxis die Umsetzung aller Inklusionsbemühungen vorantreiben und dafür mit entsprechenden Mitteln ausgestattet sein. Sie schärfen das Bewusstsein für sichtbare und unsichtbare Barrieren, prüfen zusammen mit internen und externen Fachleuten bauliche und technische, strukturelle und kommunikative Hürden. Sie behalten Zugänglichkeiten zu Veranstaltungen und die Sensibilisierung für spezifische Bedarfe von Mitwirkenden im Blick.

Es gibt oft viele verschiedene Bedürfnisse und Anforderungen – sowohl bei Individuen als auch Institutionen. Lösungen für diese verschiedenen Bedarfe zu finden, gelingt am besten in einem kooperativen Prozess. Dafür braucht es zum einen eine Wertschätzung der Expertise behinderter Künstler*innen und Mitarbeitenden, denn sie wissen, was sie für ihre Arbeit brauchen. Zum anderen ist ein grundsätzliches Verständnis von Inklusion innerhalb einer Institution notwendig. Umgekehrt ist es hilfreich, wenn behinderte Künstler*innen oder Mitarbeitende die Möglichkeit haben, die Institutionen mit ihren Rahmenbedingungen kennenzulernen, etwa im Zusammenhang von Hospitanzen, um später in ihnen zu arbeiten und sie mitprägen zu können.

Oft lassen sich durch kleine Anpassungen und ohne zusätzliche Ressourcen große Effekte erzielen: Eine klare Strukturierung von Abläufen, die sich allen erschließt, erspart beispielsweise ebenso Missverständnisse und Verwirrung wie der Einsatz von leicht verständlicher Sprache insgesamt. Wenn Häuser auf diese Weise die dringendsten Barrieren für die Zusammenarbeit mit Menschen mit Behinderung identifizieren und schrittweise angehen, entsteht trotz enger Rahmenbedingungen eine Dynamik des Wandels.

Ein inklusiver Probenprozess braucht klare, gemeinsam getroffene Vereinbarungen. Rückzugsräume und mehr Pausenzeiten entlasten viele Beteiligte. Der regelmäßige und strukturierte Austausch aller ist entscheidend. Besonders in Projekten, bei denen verschiedene Häuser, Arbeitsweisen und Zielgruppen aufeinandertreffen, sollte dieser Austausch nicht nur informell stattfinden, sondern fest im Ablauf verankert sein.

Wer sich zum ersten Mal auf eine inklusive Zusammenarbeit einlässt, sollte mit einem überschaubaren Projekt starten und sich mit Institutionen austauschen, die bereits Erfahrungen gesammelt haben. Sich auf ein oder zwei Projekte zu konzentrieren und sie gut umzusetzen, ist ratsam. Bei der Entscheidung für ein solches Projekt könnte helfen, an bereits bestehende Kontakte zu Publikums- und Künstler*innen-Gruppen anzuknüpfen. Erste Projekte könnten zum Beispiel sein, bauliche Barrierefreiheit vor und hinter der Bühne herzustellen oder Leichte Sprache für künstlerische Ausdrucksformen zu nutzen. Es empfiehlt sich, von Anfang an regelmäßige Feedback-Runden und Reflexionsmöglichkeiten einzuplanen, um diesen Prozess (selbst-)kritisch zu begleiten.

In der Auseinandersetzung mit verschiedenen Sprachen entstehen neue Formen der Bühnenkunst. Über inklusive Autor*innenschaft für Uraufführungen oder für die dramaturgische Bearbeitung von Theaterstoffen werden diese Perspektiven von Anfang an in Inszenierungen eingeschrieben.

Wenn Stadttheater mit ihrer sehr eigenen Logik auf inklusiv arbeitende Gruppen aus der Freien Szene treffen, dann entsteht zwangsläufig Reibung. Unterschiedliche Arbeitsweisen müssen kennengelernt und gemeinsame Arbeitsabläufe ausgehandelt werden. Dieser Prozess kann bei Mitarbeitenden Irritationen hervorrufen und als Herausforderung empfunden werden. Mehrheitlich hat sich gezeigt, dass dieses Aufeinandertreffen zu neuen Denkansätzen und neuen ästhetischen Lösungen – emotional, originell, klug – geführt hat.

Produktionen mit Künstler*innen mit Behinderung sollten langfristig geplant werden. Regie, Künstler*innen, Produktionsleitung und -koordination, aber auch die Gewerke sollten frühzeitig in den Prozess eingebunden werden. So kann es helfen, die Künstler*innen bereits in die Konzeptionsphase einzubinden und zum Beispiel zur Bauprobe einzuladen. Zugänglichkeiten wie Gebärdensprach-Dolmetschung und Audiodeskription müssen ebenfalls frühzeitig angedacht und entsprechende Expert*innen engagiert werden. Je klarer Zuständigkeiten, Zeitpläne und Kommunikationswege definiert sind, desto leichter gelingt die Zusammenarbeit. Der gesamte Prozess erfordert viele Abstimmungen, die von Projektverantwortlichen koordiniert werden sollten. 

Frühzeitig sollte gemeinsam mit den Beteiligten herausgefunden werden, welche Probenstruktur und Arbeitsabläufe den Bedarfen der Mitwirkenden gerecht werden. Bei Schauspieler*innen mit kognitiven Beeinträchtigungen hat sich zum Beispiel gezeigt, dass es in der Tendenz mehr Bühnenproben, mehr Zeit für das Lernen von Texten zusammen mit den Regieassistent*innen sowie Gelegenheiten für die Reflexion der gemeinsamen Arbeit geben muss. Außerdem hat es sich als hilfreich erwiesen, an Vorstellungstagen kein anderes Stück zu proben.

Bei der Neuorganisation von Zeit am Theater kann ein Access Rider helfen, ein Dokument, in dem die Bedarfe der beteiligten Künstler*innen gesammelt werden. Der Access Rider informiert zum Beispiel, welche Probenformen möglich sind. Für die Erarbeitung des Dokuments müssen Zeit und Ressourcen eingeplant werden.

Die Zusammenarbeit mit Künstler*innen mit Behinderung bereichert das kreative Geschehen und bringt neue Perspektiven auf die Bühne. Einige Theater verzichten bewusst auf Labels wie „inklusiv“, um keine Besonderheit zu suggerieren. Andere entscheiden sich für eine transparente Darstellung, um das Bewusstsein für Barrieren und Zugänglichkeit zu schärfen. Generell werden die Begriffe „Inklusion“ und „inklusiv“ kritisch reflektiert und zugleich oft als schwer zu ersetzen empfunden.

Um Menschen mit Behinderung als Publikum anzusprechen, muss über Access-Angebote (zum Beispiel Audiodeskription oder Gebärdensprache) zielgruppenspezifisch informiert und bestehende Barrieren offen kommuniziert werden. Erfolgversprechend ist, adressierte Gruppen gezielt über Newsletter und Vernetzungsarbeit innerhalb der Communitys einzuladen. Über diesen Austausch lässt sich auch vermeiden, Angebote an den Bedarfen des Publikums vorbei zu entwickeln. Bei der barrierefreien Kommunikation mit dem Publikum sollte auch das Vorderhauspersonal regelmäßig im mehrsprachigen Umgang mit dem Publikum geschult werden. 

Die Expertise von Künstler*innen mit Behinderung sollte auch in Jurys und kuratorischen Teams eingebunden werden, die über Festivalprogramme oder die Vergabe von finanziellen Mitteln entscheiden. Sie können Perspektiven und Positionen einbringen, die sonst oft übersehen werden. Auch die zunehmende Sichtbarkeit inklusiver Arbeit in der Fachöffentlichkeit trägt zu strukturellen Veränderungen bei. Festivals und Podiumsdiskussionen, Fachartikel und kritische Auseinandersetzungen mit den künstlerischen Ergebnissen helfen dabei, inklusive Theaterarbeit in der breiten Kulturlandschaft zu verankern.

Menschen mit Behinderung sollten in allen Bereichen des Theaters dauerhaft präsent sein, idealerweise auch in der Dramaturgie, der Technik, der Kantine. Außerdem sollten inklusive Arbeitspraktiken in den Alltag integriert und durch klare Verantwortlichkeiten abgesichert werden. In dem Moment, in dem sich neue Routinen etablieren, fällt ein großer Teil des zusätzlichen Aufwands inklusiver Produktionen weg. Langfristige Prozesse, stabile Beziehungen, konstante Teams und transparenter Wissenstransfer sind auch für den institutionellen Wandel hin zu einem inklusiven Theater förderlich.

Wichtige Voraussetzung für die nachhaltige Verankerung inklusiver Arbeitsweisen ist der Wille von Theaterleitungen, langfristig inklusiv zu arbeiten und Ensemblestellen entsprechend zu besetzen. Ebenso wichtig ist der politische Wille, finanzielle Mittel für einen Ausbau der Zugänglichkeit bereitzustellen und Inklusion als Aufgabe auch über die Laufzeit von einzelnen Intendanzen hinaus zu verankern. Hier könnten Verbände sowie weitere Kooperationen zwischen Stadt- und inklusiven Theatern helfen.

Der Aufbau und die Pflege von Netzwerken – zu anderen inklusiv arbeitenden Häusern, Gruppen, Künstler*innen wie zum Publikum – spielt eine ebenso zentrale Rolle bei der Verstetigung von inklusivem Arbeiten wie der Austausch und das Einholen von externem Fachwissen. Hier helfen Fachverbände wie der Bundesverband Theaterpädagogik und spezialisierten Organisationen wie zum Beispiel Diversity Arts Culture, Making a Difference und Un-Label oder Netzwerke wie jenes, das im Rahmen von pik entstanden ist. An den Häusern lässt sich das Fachwissen durch feste Stellen bündeln und weitergeben, etwa in Form von Diversitätsbeauftragten, Inklusionskoordinator*innen oder in künstlerischen Tandems.

Es ist eine Frage der Gerechtigkeit, aber auch eine der künstlerischen Räume, dass Institutionen Theaterschaffende mit Behinderung mit künstlerischen Leitungsaufgaben betrauen. Disabled Lead gehört zu den wichtigsten Aufgaben, die der Theaterbetrieb in Zukunft angehen muss. Erste Beispiele zeigen, dass sich damit auch die Programmgestaltung und Ästhetiken verändern.

In die aktuelle strukturelle Leerstelle im Bereich Aus- und Weiterbildung übernehmen Netzwerke und Einzelpersonen eine zentrale Rolle. Engagierte Akteur*innen, die selbst in der Szene aktiv sind, machen Talente sichtbar, geben Empfehlungen und schaffen informelle Zugänge.

Die Absolvent*innen der ersten inklusiven Ausbildungswege sind aktuell noch zu selten bei Absolventenvorsprechen vertreten. Institutionen und Gruppen wie das RambaZamba Theater, das Theater Thikwa, Meine Damen und Herren oder die Freie Bühne München haben zugleich eigene Ausbildungsstrukturen geschaffen, von denen die kooperierenden Stadt- und Staatstheater sowie Film und Fernsehen profitieren.

Theater werden Schauspieler*innen, Autor*innen, Regisseur*innen und Dramaturg*innen mit Behinderung auch im praktischen Betrieb schulen müssen. Bereits jetzt bieten erste Häuser individuelle Fortbildungsangebote für die im Ensemble engagierten Schauspieler*innen an, etwa Gesangs- und Sprechtrainings. Helfen kann dabei das persönliche Budget, das vielen Künstler*innen mit Behinderung zur Verfügung steht, um Fortbildungsmaßnahmen zu finanzieren, die auf ihre individuellen Bedürfnisse zugeschnitten sind.

Fortbildungen sollten keine Einbahnstraßen sein, denn viele behinderte Künstler*innen verfügen über wertvolle Expertise. So sind einige körperbehinderte Künstler*innen längst als Lehrbeauftragte und Workshopleiter*innen aktiv und werden für Weiterbildungen eingeladen. Für Künstler*innen mit kognitiver Beeinträchtigung haben sich Tandemstrukturen als wirkungsvoll erwiesen, in der jede Position einer Produktion mit einer behinderten und einer nicht-behinderten Person besetzt ist. Sie schaffen Raum für gemeinsames Lernen und überbrücken strukturelle Ungleichheiten im Zugang zu künstlerischen Positionen.

Hospitationen und Praxisformate können behinderten Künstler*innen helfen, sich mit dem Arbeiten im Stadttheater vertraut zu machen und ihrerseits ihre Perspektiven einzubringen. Ein mögliches Format ist ein regelmäßiges inklusives Profitraining, das sich an professionelle Tänzer*innen mit und ohne Behinderung richtet für künstlerische Begegnung, fachlichen Austausch und kontinuierliche Weiterentwicklung. Inklusive theaterpädagogische Workshops ermöglichen zudem erste Erfahrungen mit der Bühne und mit dem Aufbau inklusiver Jugendclubs den Zugang junger Menschen mit und ohne Behinderung zu kreativen Prozessen.